Jump to content
Форум - Замок
Sign in to follow this  
Алесь

Красота и Эротика в живописи...

Recommended Posts

Еще интересные картины Бугро:

 

Опубликованное фото

"Флора и Зефир" - 1875 г., холст, масло, Музей Изобразительных искусств, Мюлуз, Франция

 

Опубликованное фото

Весенний бриз" 1895

Share this post


Link to post
Share on other sites

Альбрехт Альтдорфер (ок. 1489–1538) – баварский живописец, рисовальщик, гравер род. в Альтдорфе, в

Баварии, в 1488 г.; жил сначала в Нюрнберге и † в 1538 г. городским архитектором в Регенсбурге. Альтдорфера

считают учеником Альбрехта Дюрера, хотя это и не вполне доказано, но во всяком случае А. принадлежит к

самым даровитым и оригинальным художникам, которые следовали направлению Дюрера.

 

Картины Альтдорфера, полные фантазии и поэзии, производят чарующее впечатление; они богаты самым разнообразным жизненным содержанием; фигуры и пейзаж одинаково разработаны, с любовью, умно и старательно.

 

Главное произведение его кисти, изображающее победу Александра над Дарием, хранится в Мюнхене. Одна Мадонна со святыми принадлежит Амбразовскому собранию редкостей в Вене.

 

Как гравер Альтдорфер вместе с Альдегревером принадлежит к так называемым "малым мастерам" (нем. Kleinmeistern, фр. petits maîtres); работы его важны для современной художественной промышленности, так как содержат массу превосходных орнаментов в стиле немецкого Возрождения.

 

Опубликованное фото

А.Альтдорфер. Лот и его дочери.1537

Share this post


Link to post
Share on other sites

Риччи Себастьяно

 

(1659, Беллуно — 1734, Венеция), итальянский живописец.

Учился в Венеции у Маццони и Червелли, последователя Джордано, затем в Болонье — у Дж. Дж. дель Соле, подражавшего манере Веронезе. Работал в Болонье Парме, Риме Милане, Венеции, Вене, Бергамо, Флоренции, Лондоне, в Голландии, Париже.

Изучал живопись болонцев, мастеров Венеции эпохи Возрождения, в Риме — Карраччи, Пьетро да Кортона, К. Маратти; в Милане — живопись А. Маньяско. Несмотря на такой обширный круг мастеров, творчеством которых он интересовался, Риччи был самобытным, талантливым мастером, одним из наиболее ярких представителей венецианского рококо, получивших от современников название «виртуозы», за быстроту работы и мастерство. Он писал картины на религиозные, мифологические и исторические сюжеты, много работал в монументальной живописи.

В 1710-е гг. Риччи создает ряд больших полотен на мифологические темы, воскрешая в них в духе рококо свободно-поэтическое, идиллическое истолкование сюжета, присущее живописи Веронезе «Купание Вирсавии», «Венера и сатир», «Диана и Каллисто», «Венера и Адонис». Удлиненные, грациозные фигуры персонажей располагаются, как правило, в барочном волнообразном движении, восходящем к манере Джордано. Прием широкой сценической компоновки, характерной для Веронезе, часто присутствует в произведениях художника. Легкие, прозрачные тона палитры отвечают вкусам рококо.

Риччи одним из первых мастеров Италии познакомил Европу в 18 столетии с высокой живописной культурой Венето, стал провозвестником новых поисков в итальянском искусстве 18 века. Его живопись оказала влияние на Я. Амигони, Дж. А. Пеллегрини, Дж. Б. Питтони, Дж. А. и Ф. Гварди, Дж. Б. Тьеполо и др.

 

«Спящая нимфа и два Сатира» 1716 Музей изящных искусств, Лилль

 

Опубликованное фото

 

«Венера и Сатир» 1720 Музей искусств, Будапешт

Опубликованное фото

 

«Купание Вирсавии» 1724 Музей искусств, Будапешт

Опубликованное фото

 

«Венера и Амур» 1713

Опубликованное фото

 

«Диана и Эндимион» 1713

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

Цорн Андерс(Zorn) (1860-1920), шведский живописец и график. Учился в художественной школе (1875-1877) и Академии художеств (1877-1881) в Стокгольме; в 1882-1885 работал в Великобритании, в 1888-1896 - в Париже, посещал Италию, Испанию, Россию, США. Испытав влияние импрессионизма , Цорн работал в свободной и виртуозной, почти эскизной манере, сочно и смело лепя формы широким мазком (“Танец в Иванову ночь”, 1897, “Тост”, 1897, “Девушки в бане”, 1906, - все в Национальном музее, Стокгольм). Индивидуальность модели, своеобразие мимики, жеста, мимолетного выражения лица остро схвачены в портретах Цорна (портрет С. И. Мамонтова, 1896, Государственный музей изобразительных искусств, Москва), богатой игрой света и тени отличаются его многочисленные офорты (“Омнибус”, 1891, “Мадонна”, 1900). Мягкая обобщенность пластической формы свойственна исполненным Цорном бронзовым статуэткам.

 

Не могу сказать, что очень люблю Цорна. Он скорее изумительно пишет воду а не женщин.

Опубликованное фото

"Купание у скал" 1891 Нац. музей, Стокгольм

 

Опубликованное фото

"Холодная пора" 1894

 

Но одна картина его меня таки потрясла:

"Нимфа любви" 1885

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

Основная масса художников и все представленные в тем - мужчины.

И тем интереснее представить вам взгляд женщины на красоту женского тела.

 

Серебряко́ва Зинаида Евгеньевна (1884—1967) родилась 10 декабря 1884 г. в имении Нескучное под Харьковом в одной из наиболее прославленных искусством семей Бенуа-Лансере. Её дед Николай Бенуа был знаменитый художник, отец, Евгений Лансере — известный скульптор, а мать — Екатерина Николаевна (1850 — после 1925), сестра Александра Бенуа, в молодости была художником-графиком. Один из её братьев, Лансере, Николай Евгеньевич, — талантливый архитектор, а другой её брат, Лансере, Евгений Евгеньевич, сыграл важную роль в истории российского и советского искусства монументальной живописи и графики. Русско-английский актёр и писатель Питер Устинов — тоже родственники Зинаиды Серебряковой.

 

В 1900 году Зинаида закончила женскую гимназию и поступила в художественную школу, основанную княгиней М. К. Тенишевой. Она была ученицей И. Е. Репина (с 1901года) и художника-портретиста Браза в (1903—1905годах). В 1902—1903 она путешествует в Италию. В 1905—1906 занимается в Academie de La Grande Chaumiere в Париже.

 

В 1905 Зинаида Лансере выходит замуж за студента (позднее железнодорожного инженера) Бориса Серебрякова и принимает его фамилию.

 

Со времён ученичества Зинаида старалась выразить свою любовь к красоте мира. Её ранние работы — «Крестьянская девушка» (1906, Русский музей) и «Сад в цвету» (1908, частное собрание) — рассказывают о её поисках и остром ощущении красоты русской земли. Эти этюды с натуры показывают, что, несмотря на молодость, её замечательный талант, её твёрдая рука и смелость были очевидны.

 

Широкую известность принес Серебряковой автопортрет (1909, Государственная Третьяковская галерея); впервые показанный на большой выставке, организованной «Миром Искусства» в 1910. За автопортретом последовали «Купальщица» (1911, Русский музей), портрет «Е. К. Лансере» (1911, частное собрание) и портрет матери художницы «Екатерина Лансере» (1912, Русский музей) — зрелые работы, твёрдые по композиции. Она вступила в общество «Мир искусства» в 1911, но отличалась от остальных членов группы любовью к простым сюжетам, гармонией, пластичностью и обобщениями в своих полотнах.

 

В 1914—1917 творчество Зинаиды Серебряковой переживало период расцвета. В эти годы она рисует серию картин на темы народной жизни, крестьянской работы и русской деревни, которая была так близка её сердцу: «Крестьяне» (1914—1915, Русский музей).

 

Наиболее важной из этих работ стала «Беление холста» (1917, Государственная Третьяковская галерея). Фигуры крестьянок, запечатлённые на фоне неба, приобретают монументальность, подчёркнутую низкой линией горизонта.

 

В 1916 Александр Бенуа получил заказ на роспись Казанского вокзала(*) в Москве, он приглашает Евгения Лансере, Бориса Кустодиева, Мстислава Добужинского и Зинаиду Серебрякову принять участие в работе. Серебрякова взяла тему Востока: Индия, Япония, Турция и Сиам аллегорически представлены в виде красавиц. В это же время она работает над большой картиной на темы славянской мифологии, которая осталась незаконченной.

 

Зинаида встретила Октябрьскую Революцию в родном имении Нескучное. Её жизнь внезапно переменилась. В 1919 умирает от тифа её муж, Борис. Она остается с четырьмя детьми и больной матерью без средств к существованию. Голод. Запасы Нескучного разграблены. Нет масляных красок — приходится перейти на уголь и карандаш. В это время она рисует свое самое трагическое произведение Карточный Домик, показывающий всех четверых осиротевших детей.

 

Она отказывается перейти на популярный у Советов футуристический стиль или рисовать портреты комиссаров, однако находит работу в Харьковском археологическом музее, где выполняет карандашные наброски экспонатов. В декабре 1920 Зинаида переезжает в Петроград на квартиру деда. Ей повезло — в эту квартиру поселили «на уплотнение» не «новых хозяев жизни», а артистов театра МХАТ. В этот период она рисует на темы из театральной жизни.

 

Осенью 1924 Серебрякова выезжает в Париж, получив заказ на большое декоративное панно. Она собиралась вернуться в Россию, где остались её мать и дети. Однако вернуться ей не удалось, и она оказывается оторванной от Родины и детей (двух младших детей, однако, ей удалось вскоре вернуть). Все те небольшие деньги, которые ей удается заработать, она отправляет обратно в Россию. Проживает она в это время по Нансеновскому паспорту и лишь в 1947 получает французское гражданство.

 

Зинаида много путешествует. В 1928 и 1930 едет в Африку, посещает Марокко. Природа Африки поражает её, она рисует Атласские горы, арабских женщин, африканцев в ярких тюрбанах. Она также рисует цикл картин, посвящённый рыбакам Бретани.

 

Во времена хрущёвской оттепели разрешаются контакты с Серебряковой. В 1960, после 36 лет разлуки, её посещает дочь Татьяна (Тата), ставшая театральным художником во МХАТе. В 1966 большие выставки работ Серебряковой были показаны в Москве, Ленинграде и Киеве. Внезапно она становится популярной в России, её альбомы печатаются миллионными тиражами, а картины сравнивают с Ботичелли и Ренуаром.

 

19 сентября 1967 года Зинаида Серебрякова скончалась в Париже в возрасте 82 лет. Похоронена на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа. В соответствии с завещанием художницы огромная коллекция ее работ (больше 200 полотен) была возвращены в Россию.

Опубликованное фото

Баня. 1913 Холст, масло. 135x174 см Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Опубликованное фото

Спящая натурщица 1941

Опубликованное фото

«Купальщица» 1911. Холст, масло. 98 х 89. Русский музей.

 

И да простят меня борцы с педофилией))) - несколько детских портретов:

Опубликованное фото

Обнаженная девочка 1922

Опубликованное фото

Катюша на одеяле. Этюд к картине 'Спящая девочка' (1923, частное собрание).

1923. Холст, масло. 58 х 120. Музей-заповедник 'Петергоф'.

Опубликованное фото

Лежащая обнаженная Катя. 1923. Холст, масло. 68 х 122,5. Третьяковская галерея.

Share this post


Link to post
Share on other sites

В силу своего консерватизма я не очень люблю современную живопись.

Но некоторые картины - гдето начинают звучать в душе...

Например "Леда" Сальвадора Дали.

Опубликованное фото

 

Дали́ (Dalí) Сальвадор (1904—1989), испанский живописец.

Многоликий гений, с присущей ему чисто каталонской изменчивостью (столь заметной также у Пикассо и Миро), Дали очень рано проявил себя как человек необычайно живого ума. В 1920-1925 он испытал искушение писать в духе академизма (он получил образование в мадридской Академии художеств), голландского и испанского реализма, футуризма, кубизма и кубизирующего реализма послевоенного времени (Девушка у окна, 1925. Мадрид, Испанский музей современного искусства). Его пристрастие к изображению подсознательного было инспирировано чтением Фрейда, и Дали серьезно занялся вначале метафизической живописью.

 

Его первая выставка прошла в ноябре 1925 в Барселоне (гал. Дальмау). В это время он пишет композиции, в которых неустанно изображает морские пейзажи, отпечатавшиеся в памяти с детства, - навязчивая идея, не покидавшая художника никогда (Женщина перед скалами, 1926, Милан, частное собрание). Приезжая в Париж в 1927, а затем в 1928, он знакомится с Пикассо и Бретоном и с готовностью присоединяется к группе сюрреалистов, разрабатывавшей идеи, близкие его собственным, и, по словам Бретона, уже в 1929 полностью внедряется в нее. Тогда же он знакомится с Галой Элюар, которая вскоре становится его женой и вдохновительницей.

 

Дали создал сюрреализму шумную и блестящую рекламу. В 1929 на выс тавке в гал. Геманс экспонировались его сюрреалистические произведения (Загадка желания. Моя мать, моя мать, моя мать, 1929, Цюрих, частное собрание), иллюстрирующие его теорию критической паранойи, изложенную в книге Видимая женщина (1920). Речь идет о продолжении традиции, берущей свое начало в творчестве Боттичелли, Пьеро ди Козимо, Леонардо да Винчи (который сформулировал ее в своем Трактате о живописи). Затем, благодаря ташизму и фроттажам Макса Эрнста, Дали увлекся изображением на холсте образов, вызванных свободными ассоциациями по поводу случайно избранных форм, имеющих какоелибо значение или нет. Отсюда - его картины, на которых, под видимостью тонкой оптической иллюзии, предметы растягиваются (мягкие часы), растворяются, разлагаются, превращаются в другие предметы; этой же идеей были вдохновлены и интерпретации, подчас неприличные, знаменитых картин (таких, например. как Анжелюс Милле, где в трактовке Дали мужская шляпа прикрывает половой орган в состоянии эрекции). Это было своеобразной интеллектуальной тренировкой художника, в которой, несомненно присутствовал элемент самолюбования и которая не имела границ.

 

Несмотря на разрыв с Бретоном в 1934, вызванный поведением художника, искусство Дали вырастает именно из сюрреалистической эстетики, в которой он нашел столь близкие ему мотивы: чувство потерянности человека в огромном мире. чувство юмора, и самое главное - полная свобода воображения (Стойкость воспоминания, 1931, Нью-Йорк, Музей современного искусства, Предчувствие гражданской войны, 1936, Филадельфия, Музей искусства). Было бы ошибкой отрицать оригинальность этих мотивов: если свою технику исполнения сам художник с вызывающей гордостью сближал с техникой Мейссонье, то сюжеты, переходящие из одной картины Дали в другую, открывают вселенную его личных переживаний, в которой присутствуют и эротизм, и садизм, и гниение. Влияние Де Кирико, Эрнста и Танги были ассимилированы Дали с явным отвращением к простоте, художник воплотил их под знаком стиля модерн своего соотечественника Гауди, в котором он воспевал ужасающую и съедобную красоту. Все эти мотивы нашли отражение и в поэмах и фильмах художника, снятых в сотрудничестве с Бюнюэлем (Андалузский пес, 1928, Золотой век, 1930).

 

В 1936 Дали совершает неожиданный и подчеркнутый поворот к итальянскому классицизму, что обозначало разрыв с историческим сюрреализмом. В 1940-1948 он живет в США. По возвращении в Испанию, он живет в Порт-Льигат в Каталонии. В 1958 он венчается с Галой. В своем творчестве Дали обращается к самым разным источникам - нидерландскому реализму, итальянскому барокко (Христос св. Иоанна на кресте, 1951, Глазго, Художественная гал.). абстракционизму (в частности, к живописи действия), поп-арту. С 1970-х он нередко прибегает к методам, позволяющим как можно реальнее передать рельефность (наподобие голографии или стереоскопии).

 

Художник проявил свой талант саморекламы, имевшей целью создать и укрепить в глазах публики миф о Дали как об экстраординарной личности и починном представителе сюрреализма. И эта цель была достигнута посредством головокружительных затей и махинаций, предложений и компромиссов в отношениях с политической и религиозной властями. Жизнь и творчество Дали причудливо сплелись в единое мистическое целое, как еще одно произведение художника, заслуживающее если не одобрения, то, по крайней мере, менее скептического отношения.

 

Музей Дали, инициатором создания которого был сам художник,открылся в 1974 в Фигерасе, его родном городе. В кливлендском музее с 1971 находится собрание Рейнольда Муза. Крупная ретроспективная выставка художника проходила в 1979-1980 в парижском Нац. музее современного искусства, по этому случаю на форуме у Центра Помпиду художник осуществил удивительную по широте замысла Героическую кермессу. Произведения Дали представлены в европейских и американских музеях, например в Базеле, Лондоне, Глазго, Париже, Чикаго, Кливленде, Хартфорде, Нью-Йорке (музей Метрополитен, Музей современного искусства), Филадельфии, Вашингтоне. Выставки Дали прошли в Москве в 1989 (Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина) и в 1994 (Центральный дом художника).

Share this post


Link to post
Share on other sites

В силу своего консерватизма я не очень люблю современную живопись.

Но некоторые картины - гдето начинают звучать в душе...

Алесь, могу сказать тоже самое. Но вот работы этого мастера, кстати, твоего(ну и моего тоже) современника, почему то привлекли моё внимание. Хотя может он и известен, это я скорее всего невежда. :))

 

Исачев Александр Анатольевич (1955-1987),

 

Русский художник, график. Судьба отмерила ему для жизни немногим менее тридцати трёх лет. Родился Александр Исачёв в селе Озаричи Калинковичского района, на Гомельщине. Семейная жизнь у родителей не сложилась, и мальчик долгое время воспитывался вне дома - сначала в Мозырской школе-интернате, а затем, с пятого класса,

когда ярко проявились его творческие способности - в Минской республиканской школе-интернате по музыке и изобразительному искусству. Однако из школы-интерната для одарённых детей его исключили. Скитания, безденежье, работа грузчиком... Отторгнутый официальными кругами, Исачёв ищет душевного приюта и находит его в среде ленинградских неформалов, непризнанных художников. В 70-е годы, когда Исачёв вернулся в свой родной город Речицу, определяется его творческое кредо. Считая своими учителями старых европейских мастеров, он разрабатывает преимущественно библейские сюжеты, пишет иконы для церквей. Как рассказала журналу "Огонёк" (1989, °24) жена и ближайший друг художника Наталья Николаевна Исачёва , круг его чтения включал труды А.Ф.Лосева и С.С.Аверинцева, публикации ленинградского Института востоковедения, мифы и эпос народов мира, поэзию Индии, Китая, Японии... Работал очень много, но труд его не называли "общественно-полезным", даже пытались привлечь художника к ответственности за "тунеядство". И всё-таки признание пришло при жизни. В конце 1987 года в Речице открылась первая выставка его работ. Два дня спустя Исачёв скончался от сердечного приступа возле мольберта в своей мастерской. Сказались годы изнурительного труда, годы унижений, непонимания, равнодушия. Его творческий метод можно сравнить с загадочной "игрой в бисер" из одноименного романа Германа Гессе. Художник реализует свои замыслы, используя бесценный опыт прошедших эпох. Обращаясь к мифам и легендам, к величественным творениям древних мыслителей, он ищет разгадку вечных таинств бытия.

 

по материалам журнала "Наука и религия"

Изгнание из Рая

 

Опубликованное фото

 

Магия

 

Опубликованное фото

 

Повелитель

 

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

в продолжении его работ

 

У Забытых алтарей

 

Опубликованное фото

 

Лилит

 

Опубликованное фото

 

Лотос

 

Опубликованное фото

 

Дриада

 

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

и последние

 

Аллегория искусств

 

Опубликованное фото

 

Искушение

Опубликованное фото

 

У источника

 

Опубликованное фото

 

Вдохновение

 

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

Алесь, могу сказать тоже самое. Но вот работы этого мастера, кстати, твоего(ну и моего тоже) современника, почему то привлекли моё внимание. Хотя может он и известен, это я скорее всего невежда. :))

Да, сонц...

Он не только наш современник...

Он мой земляк. И когда-то даже встречались пару раз...

У нас он на портале есть:

http://pics.druzya.org/art/new-art/ISACHEV/

 

А художник ТЕПЕРЬ он известный.

Вот только когда он загибался ...никто его не знал.

И умер он через пару дней после своей ПЕРВОЙ персональной выставки.

Это был - ТРИУМФ!!!

Share this post


Link to post
Share on other sites

Да, сонц...

Он не только наш современник...

Он мой земляк. И когда-то даже встречались пару раз...

У нас он на портале есть:

Ну я же говорю, что я невежда! :))) Виноват всё тот же мой консерватизм.

 

А художник ТЕПЕРЬ он известный.

Вот только когда он загибался ...никто его не знал.

И умер он через пару дней после своей ПЕРВОЙ персональной выставки.

Это был - ТРИУМФ!!!

А так раньше и было. При жизни гнобили, а после смерти на пьедестал. Жаль что его работы сейчас не на его Родине, где им и положено быть. :(

Share this post


Link to post
Share on other sites

Ну почему...Их много за границей. Но и в России - не мало...Особенно в Питере.

Share this post


Link to post
Share on other sites

Кабанель (Cabanel), Александр, французский живописец исторической школы, 1823-89 гг. Родившись в 1823 году в университетском городке Монпелье на юге Франции, Кабанель воспитывался в приверженной традициям академической среде. Перевезенный в детстве в Париж, он поступил в 1840 году в Школу изящных искусств в мастерскую Франсуа Пико. В 1845 году он успешно закончил курс обучения и был удостоен Большой Римской премии за картину "Христос перед судьями". Вместе со своим другом, коллекционером и знатоком античности А.Брюа, Кабанель поселился в Риме, где окончательно оформился его стиль. Свойства искусства Кабанеля импонировали вкусу высоких заказчиков. В 1855 году, помимо первой медали на Всемирной выставке 1855 года за картину "Триумф святого Людовика", Кабанель был награжден орденом Почетного легиона, в 1864 году он был произведен в офицеры, а в 1878 году - в командоры ордена. В 1863 году он был избран членом Академии на место, которое до него занимали Ж.-Л.Давид, Ж.-Ж..Лебарбье и Орас Верно. В том же 1863 году, вошедшем в историю французского искусства благодаря знаменитому "Салону отверженных", где демонстрировался "Завтрак на траве" Э. Мане, официальное положение Кабанеля как "первого живописца империи" еще более упрочилось. С установлением республики Кабанель не потерял своей славы. Он был буквально завален заказами, изготовляя стереотипно изящные женские портреты и изображения "роковых красавиц" прошлого. Не менее успешно выступал он и в качестве педагога, проявляя известную либеральность в отношении своих учеников, среди которых были Ж.Бастьен-Лепаж, Б.Кон-стан, Э.Моро, Ф.Кормон, А.Жервекс.

 

Опубликованное фото

«Рождение Венеры», 1865, Музей Орсе

Share this post


Link to post
Share on other sites

Буше (Boucher) Франсуа (1703–1770), французский живописец. В 1755-1765 руководил Королевской мануфактурой гобеленов в Париже, с 1765 – директор Королевской академии живописи и скульптуры, “первый живописец короля”, один из ярких мастеров рококо.

Сороковые годы XVIII века — период расцвета во французском искусстве стиля рококо, отразившего аристократические идеалы дворянского общества. Для стиля жизни этого времени характерно стремление к роскоши, изощренным, прихотливым формам. Особенность живописи рококо — ее тесная зависимость от архитектурно - декоративного окружения. Станковая картина создавалась в это время прежде всего как деталь украшения интерьера дворянского особняка, наряду с мебелью, фарфором, гобеленами и шелковыми тканями. Самым знаменитым художником рококо был Франсуа Буше, который, помимо живописи, работал во всех видах декоративного и прикладного искусства: он создавал картоны для шпалер, рисунки для севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и декоративные росписи. Живопись Буше в полной мере отразила декоративные принципы искусства его времени. Буше в начале творческого пути испытал влияние А.Ватто (гравировал его картины), в дальнейшем писал плафоны, панно, картины с мифологическими, пасторальными, жанровыми сценами, нарядно-кокетливые портреты, идиллические пейзажи, выдержанные в мягких серебристо-зеленых тонах (“Вид в окрестностях Бове", Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Одним из любимых жанров живописи рококо были пасторальные мотивы, сюжеты которых художники находили прежде всего в античной мифологии. В картине «Юпитер и Каллисто» Буше обратился к «Метаморфозам» римского писателя Овидия, пересказавшего миф о боге Юпитере, который, влюбившись в нимфу Каллисто и желая ее соблазнить, принял облик богини Дианы. Художник интерпретирует чувственный эпизод античной мифологии в характерном для рококо поверхностном, игривом духе.

Грациозные, изящные фигурки его античных героинь похожи на фарфоровые статуэтки. Буше любил светлую живопись и отдавал предпочтение нарядным голубым, розовым и зеленым тонам. В некоторых картинах Буше 1720-1730-х годов, теплых и насыщенных по колориту (“Геркулес и Омфала”, Государственный музей изобразительных искусств, Москва), заметны отзвуки фламандского искусства. В более поздних работах (“Купание Дианы”, 1742, Лувр, Париж; портрет маркизы Помпадур, 1752, собрание Уоллес, Лондон) с обилием оттенков розового и голубого, извилистых сплетающихся линий и сложных ракурсов усиливаются свойственные рококо декоративность, чувственность, несколько жеманная грация, впечатление “фарфоровости” фигур.

 

«Купание Дианы» 1742, Лувр

Опубликованное фото

 

«Вулкан, вручающий Венерt оружие для Энея» 1757, Лувр

Опубликованное фото

 

«Туалет Венеры» 1751

 

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

в продолжении творчества Франсуа Буше

 

«Одалиска на синей софе» 1745, Лувр

Опубликованное фото

 

«Рождение Венеры» 1740

Опубликованное фото

 

«Восход Солнца» 1753

 

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

Давид (David) Жак Луи (1748–1825), французский живописец. Учился в Королевской академии живописи и скульптуры у исторического живописца Ж.М.Вьена (1766–1774), в 1775–1780 изучал античное искусство в Риме. В 1780–1790-е годы Давид стал основоположником и признанным лидером так называемого революционного классицизма – направления во французском искусстве, воспринявшего у рационалистической просветительской философии XVIII века культ разума и естественного чувства, выдвинувшего новый тип художника-борца, призванного воспитывать у зрителя высокие моральные качества и гражданские добродетели. Для произведений Давида 1780-х годов характерны публицистическая направленность, стремление выразить героические свободолюбивые идеалы предреволюционной эпохи через образы античной истории (“Смерть Сократа”, 1787, Метрополитен-музей; “Ликторы приносят Бруту тела его сыновей”, 1789, Лувр, Париж). Возвышенность замысла, сценическая торжественность образного строя, чеканная барельефность композиции, преобладание объемно-светотеневого начала над колористическим особенно ярко воплотились в картине “Клятва Горациев” (1784, Лувр, Париж), воспринятой обществом как призыв к революционной борьбе. Классицистические представления о волевом и деятельном начале как сущностном ядре человеческой личности отразились в портретах Давида

этого периода (“Портрет А.Леруа”, 1783, Лувр, Париж). Воодушевленный событиями Великой французской революции, Давид стремился к созданию исторической картины на современную тему (“Клятва в зале для игры в мяч”, 1791, не закончена, центральная часть в Национальном музее Версаля и Трианонов). Черты портрета и исторической картины совмещены в картинах “Убитый Лепелетье” (1793, не сохранилась, известна по гравюрам) и особенно “Смерть Марата” (1793, Музей современного искусства, Брюссель) с их трагическим звучанием, простотой и лаконизмом композиции, суровой сдержанностью цвета и скульптурной монументальностью форм. Давид был активным деятелем революции, членом Конвента, организовывал массовые народные революционные празднества в Париже, создал Национальный музей в Лувре.

 

Опубликованное фото

"Венера и три грации, обманывающие Марса" 1798

Share this post


Link to post
Share on other sites

Джон Кольер

1850-1934

английский викторианский живописец, неоклассицист.

 

Он был младшим сыном сэра Роберта Перре Кольера (лорда Монксвелла), выдающегося юриста и члена парламента. Джон получил образование в Итоне. После окончания учебы в лондонской школе искусств, переехал в Париж, где учился у Жана-Поля Лорана, а затем отправился в Мюнхен.

Некоторыми живописными школами он вообще не был бы расценен как художник. Более верно будет расценивать его как чрезвычайный случай художника, для которого его искусство и преданность ему важнее всего остального.

 

Одна из самых известных его работ:

"Леди Годива"

Опубликованное фото

 

Согласно легенде, Годива была прекрасной женой графа Леофрика графа Мерсии. Подданные графа страдали от непомерных налогов, и леди Годива попросила своего мужа снизить налоговый гнет. Леофрик обещал снизить налоги если его жена проедет обнажённой на лошади по улицам Ковентри. Он был уверен, что это условие будет совершенно неприемлемо для нее. Однако Годива всё-таки пошла на этот шаг, хотя и немного схитрила — она попросила жителей города в назначенный день закрыть ставни и не выглядывать на улицу. Так незамеченной она проехала через весь город.

Граф был поражён самоотверженностью женщины и, сдержав своё слово, снизил налоги.

Share this post


Link to post
Share on other sites

Луис Рикардо Фалеро

1851-1896

Известно мне об этом художнике мало. И в и-нете тож ничего не нашел...

Знаю только, что родился Фалеро в Гранаде (Испания)

Учился живописи в Париже, там же работал как портретист. В 1880 году он переезжает в Лондон.

Фалеро, специализировался на женских ню в мифологической или фантастической обстановке.

 

Опубликованное фото

Токайское вино.

Опубликованное фото

Лунная нимфа

Опубликованное фото

Угасающая звезда

Share this post


Link to post
Share on other sites

ПИГМАЛИОН И ГАЛАТЕЯ

 

К древнегреческому мифу о скульпторе Пигмалионе и созданной им прекрасной Галатее неоднократно обращались художники, поэты и музыканты.

 

Опубликованное фото

 

Жан-Леон Жером Пигмалион и Галатея 1892 г.

 

 

Опубликованное фото

 

Луи Гауффер Пигмалион и Галатея 1797 г.

 

 

Опубликованное фото

 

Джулио Баргеллини Пигмалион и Галатея 1896 г.

 

 

Опубликованное фото

 

Борис Велладжо Пигмалион и Галатея

 

 

Опубликованное фото

 

Иван Пархоменко Пигмалион и Галатея 2006 г.

 

 

Опубликованное фото

 

АНЬОЛО БРОНЗИНО

Пигмалион и Галатея 1529-30 г.г.

Палаццо Векьо, Флоренция

 

 

Опубликованное фото

 

ЛОРАН ПЕШЁ

Пигмалион и Галатея 1784 г.

 

 

Опубликованное фото

 

Александр Исачев Пигмалион и Галатея.

 

 

Опубликованное фото

 

Николай Дулько Пигмалион и Галатея 2002 г.

Share this post


Link to post
Share on other sites

Опубликованное фото

 

ЛУИ-ЖАН ФРАНСУА ЛАГРЕНЕ

Пигмалион и Галатея 1781 г. Институт искусств, Детройт

 

Опубликованное фото

 

ФРАНСУА БУШЕ

Пигмалион и Галатея 1767 г. Эрмитаж.

 

 

Опубликованное фото

 

ЭРНЕСТ НОРМАН

Пигмалион и Галатея 1886 г.

Share this post


Link to post
Share on other sites

Не живопись, скульптура, до чего же красива!!!

 

Опубликованное фото

 

ЭТЬЕН МОРИС ФАЛЬКОНЕ

Пигмалион и Галатея 1767 г. Лувр

Share this post


Link to post
Share on other sites

Батони (Batoni Pompeo) Помпео Джироламо (1708-1787), известный итальянский живописец стиля рококо и неоклассицизма. Родился в Лукке, в семье ювелира. Вероятно уроки отцовского ремесла сказались в последовательной приверженности Батони к ювелирной отточенности и изяществу формы. Учился в Риме у Агостино Мазуччи и Себастьяно Конка. Первые произведения, в которых общих чертах оформляется стиль Батони, относятся к началу 1730-х годов. Судьба Батони сложилась удачно. Он не имел недостатка в заказах на алтарные образы и аллегорические картины. Слава портретиста привлекала в его мастерскую высшую аристократическую знать. Искусство Батони не знало конфликтов с общественным вкусом и находило неизменное признание у современников. Основное направление работ Батони - картины на мифологические и аллегорические сюжеты ("Падение Симона-мага", 1741, Церковь Санта Мария дельи Анджели в Риме; "Ахилл у дочерей Ликомеда", 1745, Флоренция, Уффици; "Диана и Купидон", 1761, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; "Святое семейство", 1777; "Геркулес на распутье между Добродетелью и Пороком", 1765; "Воздержанность Сципиона Африканского", 1772 - все три Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) и портреты (императора Иосифа II и его брата Леопольда Тосканского, Художественно-исторический музей, Вена; портрет маркиза Джона Монтермера, собрание герцога Баклей, Ратлэнд и др.).

 

В его ранних работах сказались традиции барокко, отразившиеся в перегруженности композиции, в беспокойном ритме форм и цветовых контрастов ("Падение Симона-мага"). Однако изучение творчества Рафаэля и идеи неоклассицизма вскоре изменили его стиль. Все чаще художник стал обращаться к сюжетам с аллегорическим подтекстом, в которых немаловажное значение приобретает идея доблести, победы долга над личными привязанностями. Меняется и формальный строй его работ. Художественный язык становится ясным, строгим, форма обозримой, классические мотивы легко узнаются в позах, в трактовке лиц, рисунке обнаженных тел. В композиционных решениях рассудочный, рациональный характер получает преимущество над эмоционально-непосредственным выражением. Однако неоклассический стиль его работ нередко носит поверхностный характер, классические элементы порой облегчаются легкой игривой линией, невесомостью и изяществом формы, сглаженной, почти миниатюрной манерой письма.

 

В искусстве Батони не могли не сказаться и реалистические тенденции, характерные для итальянской живописи XVIII века. Но и в этом аспекте позиция художника оставалась двойственной, нередко в одном произведении проявлялись весьма разнородные симпатии мастера. Например, в "Святом семействе" композиция делится на две стилистически различные части. Группа Богоматери с младенцем Христом на руках и с Иоанном Крестителем, помещенная слева, изображена в условном неоклассическом духе. Иосиф, на мгновение оторвавшийся от чтения книги, чтобы взглянуть на играющего Христа, и протягивающая к младенцу руки святая Анна изображены как конкретные персонажи, с простонародными чертами лиц. Наиболее цельное и полное выражение реалистические тенденции искусства Батони нашли в портретном жанре, где живопись всегда следует за действительностью. Лучшие портреты кисти Батони написаны серьезно, вдумчиво, с глубоким проникновением в характер изображаемого человека. Батони стоит у истоков парадного репрезентативного неоклассического портрета. Его модели обычно расположены на фоне античных ваз, саркофагов, статуй, колонн, хотя в ранних работах преобладает нейтральный фон. Чаще всего художник писал знатных лиц. Несмотря на яркость психологической характеристики портретируемых, им всегда присуще и нечто общее: аристократическое достоинство, эмоциональность, но вместе с тем и особое, "философское" состояние. Творчество Батони в целом знаменует начало нового направления европейского стиля живописи - классицизма конца XVIII столетия.

 

Опубликованное фото

"Диана и Купидон" 1761 Метрополитен-музей, Нью-Йорк

 

Опубликованное фото

"Бракосочетание Амура и Психеи" 1756

Share this post


Link to post
Share on other sites

Аленка выше уже упоминала имя Бориса Валеджо. Я сколько есть его картин повесил в нашей арт-галерее.

 

Борис Валеджо родился в Перу в семье процветающего адвоката. Он начал интересоваться искусством еще в раннем детстве, но вначале его больше привлекала музыка - в течение 7 лет он учился игре на виолончели. Несмотря на определенные успехи Валеджо оставил искусство и два года штудировал подготовительный медицинский курс.

 

Вскоре по рекомендации друзей Борис был зачислен в Национальную Школу Искусств. Ко времени окончания школы он выиграл приз лучшего ученика. Ему было предложено продолжить обучение во Флоренции, но в 1964 году, без знания английского языка и с 80 долларами в кармане он приехал покорять Нью-Йорк. На протяжении 6 месяцев работал в Хартфорде, Коннектикуте и, затем, в Нью-Йорке. Здесь он познакомился со своей будущей женой - Дорис. Ему потребовалось около двух лет, чтобы из работающего на компанию оформителя трансформироваться в "свободного" художника. Последующие 8 лет брался за любую работу. Он хорошо усвоил основное правило жизни искусства - никто не должен отказываться ни от чего. Кроме того, если новичок не выполняет "грязную работу", кто же ею займется? Это было хорошей школой для Валеджо. Он освоил различные стили, которые помогли развить ему свой собственный. После рождественских открыток последовали серии комических рисунков, которые ознаменовали победу в мире комиксов. Его герои понравились и издателям, и читателям.

 

В то время Валеджо принял решение переключиться с комического жанра на книжные обложки. Возможно, толчком этому послужила малая оплата в сравнении с затраченным временем и усилиями. В 1975 году он понял, что решение было правильным: в течение следующего года он получил серию заказов от Ballantine Books. Он отказался от светловолосых, голубоглазых, грациозно атлетических дикарей и предложил вместо них свою сырую силу, смелость и мускулатуру. Его успех обеспечивался также тем, что он рисовал животных так, будто они живые: испуганных горилл, важных слонов, удавов. Успех обложки "Тарзана" был настолько велик, что картинки были напечатаны отдельным изданием и быстро распроданы.

 

Один из любимых персонажей Валеджо - благородный дикарь. Помимо него в рисунках появляются и другие мужские персонажи. Антагонисты - обычно это монстры, фантастические фигуры. В особом "зоопарке" Бориса есть целая галерея необычных созданий: львиноголовые собаки с хвостами ящериц и крыльями летучих мышей, ужасающие шестиногие ягуары с телом орла или монстры с головой пантеры, покрытые кожей динозавра. Женщины - достойные спутницы для дикаря. Время от времени появляются невыразительные рабыни, но героиня всегда только одна - необычайно женственная и грациозно гибкая. Этот образ всегда воспроизводится в одном и том же, слегка преувеличенном виде, подчеркивая гибкость и женственность фигуры. Конечно, этот тип отличен от голубоглазых, томных и слащавых кинозвезд. В то же время их фигуры не походят на атлетических женщин нашего времени.

 

Таким образом, рисунки Бориса Валеджо говорят о вечной борьбе добра и зла, о красоте человеческого тела, о торжестве разума над грубой животной силой.

 

Опубликованное фото

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

Т.н. тема "купальщиц"...т.е. купающихся богинь и красавиц

тут уже затрагивалась(Бугро, Риччи, Цорн, Серебрякова...)

 

Хочу немного расширить эту тему...

 

Энгр Жан Огюст Доминик (Ingres Jean) (1780-1867), французский живописец и рисовальщик.

Опубликованное фото

Турецкая баня (1862-63), Лувр, Париж

 

 

Эта работа завершает творческий путь Энгра. В ней он вернулся к одной из своих любимейших тем. Ню некогда прославили художника. Картина, ностальгически развернувшись к прошлому, становится как бы "суммой" его прежних знаменитых произведений. Например, сидящая на переднем плане женщина с мандолиной напоминает "купальщицу Валъпинсона", а танцующая фигура слева - Анжелику с полотна "Роже и Анжелика". Все здесь несет отпечаток роскоши, в котором как в зеркале узнается Вторая империя. Мы ощущаем эту эпоху в звуках мандолины и тамбурина, в аромате кофе, духов и благовоний, в блеске гладкой кожи. Энгр искусственно уплотняет пространство картины, смещая перспективу ближе к зрителю и позволяя ему лучше рассмотреть открывающуюся галерею обнаженных женских тел.

Поначалу "Турецкая баня" была квадратной. Но в таком виде она не понравилась принцессе Клотильде, жене первого владельца полотна, принца Наполеона. Клотильда вернула работу Энгру, и тогда он "округлил" ее, безжалостно обрезав при этом фигуру купальщицы, которая изображена на переднем плане справа.

Share this post


Link to post
Share on other sites

Join the conversation

You can post now and register later. If you have an account, sign in now to post with your account.

Guest
Reply to this topic...

×   Pasted as rich text.   Paste as plain text instead

  Only 75 emoji are allowed.

×   Your link has been automatically embedded.   Display as a link instead

×   Your previous content has been restored.   Clear editor

×   You cannot paste images directly. Upload or insert images from URL.

Loading...
Sign in to follow this  

×
×
  • Create New...