Jump to content
Форум - Замок
Sign in to follow this  
Алесь

Красота и Эротика в живописи...

Recommended Posts

Предлагаю в этой теме не просто шлепать картины...

а давать и информацию о художниках и их творчестве...

Share this post


Link to post
Share on other sites

Бугро Адольф-Вильям(Bouguereau Adolphe William) (1825-1905)

 

Бугро Адольф-Вильям - французский живописец, крупнейший представитель салонной академической

живописи. Родился в Ла-Рошели (департ. Нижней Шаранты) 30 января 1825 г. В 1846 году Бугро поступил

в Ecole des Beaux-Arts, где работал под руководством Пико и в 1850 вместе с Бодри получил первую

награду (Prix de Rome) за картину "Зиновия, найденная на берегу Аракса". Из Рима он прислал

"Идиллию" (1853), которая заставила обратить на него внимание, а затем "Перенесение в катакомбы

останков св. Цецилии". Из его картин заслуживают внимания: "Император, посещающий потерпевших

от наводнения в Тарасконе в Гюне 1856" (1857); "Возвращение Товии"; "День усопших" (1859);

"Вакханка" (1863). Кроме того, он много работал над украшением часовен: св. Людовика в церкви

св. Клотильды, св. Петра и Павла и св. Иоанна Предтечи в церкви св. Августина в Париже, и над

внутренней отделкой концертной залы в большом театре в Бордо.

 

 

 

В 1876 Б. был избран членом Французской академии.

Share this post


Link to post
Share on other sites

Одна из самых любимых моих картин:

Девушка, защищающаяся от Эрота

Адольф-Вильям Бугро, 1880 г.

Лос-Анджелес, музей Пола Гетти

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

Рождение Венеры

Адольф-Вильям Бугро, 1879 г.

Париж, музей Орсэ

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

Аврора

Адольф-Вильям Бугро, 1881 г.

Алабама, Бирмингемский музей искусств

 

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

Психея и Амур

 

Адольф-Вильям Бугро, 1889 г.

Тасмания, Тасманский музей и картинная галерея

Опубликованное фото

 

Похищение Психеи

 

Адольф-Вильям Бугро, 1895 г.

Частная коллекция

 

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

Нимфеум

 

Адольф-Вильям Бугро, 1878 г.

Калифорния, музей Хэггин

Опубликованное фото

 

Нимфы и сатир

 

Адольф-Вильям Бугро, 1873 г.

Массачусетс, Институт Изобразительных Искусств

 

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

И две последних картины Бугро...

Опубликованное фото

"Волна" 1896

 

Опубликованное фото

"Две купальщицы" 1884

Share this post


Link to post
Share on other sites

Эжен-Эммануэль Амори-Дюваль (фр. Eugène Emmanuel Amaury Pineux Duval, 16 апреля 1808,

Монруж — 25 декабря 1885, Париж) — французский живописец, известный под псевдонимом Амори Дюваль.

 

Амори-Дюваль — один из первых учеников Жана Огюста Доминик Энгра. Первый раз выставляет свои работы в 1833 году, представляя несколько портретов, из которых «Зеленая дама» (не сохранилась) и «Автопортрет» . С 1834 по 1836 гг. он находится в длительной поездке по Италии, побывал во Флоренции, Риме и в Неаполе, где изучает искусство итальянского Ренессанса.

По возвращению во Францию он выполняет заказы на оформление церквей.

 

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

Диего Веласкес (Родриго Диего де Сильва-и-Веласкес; Diego Velasques), 1599–1660 гг. · величайший испанский художник-реалист, заложивший основы психологического портрета в искусстве Европы. Внимание художника привлекали мифологические, исторические картины, пейзаж, бытовые сцены.

 

В XVII в. в Испании искусство переживало бурный расцвет, освобождаясь от иностранных влияний и приобретая яркий национальный характер. Главным заказчиком произведений искусства являлась католическая церковь, она же определяла идеи и темы. Из светской тематики в XVII в. получает широкое распространение сословный портрет, в основном посвященный изображению королевской семьи и высшей аристократии.

 

Веласкес родился в 1599 г. в небогатой дворянской семье в Севилье, в 1611 г. был отдан в обучение известному художнику Франсиско Пачеко (1564–1645), гуманисту, поэту, автору трактата по живописи. В его мастерской Веласкес учился рисунку, умению работать с натуры, изучал живописные приемы. В 1617 г. он был принят в корпорацию художников Севильи, что давало ему право иметь собственную мастерскую и получать заказы. В 1618 г. Веласкес женился на дочери своего учителя Ф.Пачеко.

 

Большинство ранних работ Веласкеса, созданных им в период обучения и сразу после него, посвящено изображению бытовых сцен, главными героями которых становятся простые люди Севильи. Они созданы в жанре "бодегонес", распространенном в первой половине XVII в. в Испании, на них изображались трактиры и харчевни (по исп. "бодегон"). В ранних работах Веласкеса сцены решаются статично, немногочисленные действующие лица помещены на переднем плане, приближены к зрителю, фон темный, детали тщательно прописаны. В 1617–1622 им создаются произведения: "Завтрак" (ок. 1617, С.-Петербург, Эрмитаж), "Старая кухарка" (1618, Эдинбург, Национальная галерея), "Водонос" (ок. 1620, Лондон, собрание Веллингтона). И в картинах на религиозную тематику Веласкеса прослеживаются традиции бодегонес: "Поклонение волхвов" (1619, Мадрид, Прадо), "Христос у Марфы и Марии" (1618, Лондон, Национальная галерея). В эти годы художник пишет первые портреты, в которых определяются особенности Веласкеса-портретиста – остро схваченное сходство, яркость выявления индивидуальности: "Портрет монахини Херонимы де ла Фуенте" (1620, Лондон, Национальная галерея).

 

В 1622 Веласкес едет в Мадрид, но возвращается в Севилью, а в 1623 королевский капеллан Фонсека вызывает Веласкеса в столицу. Написанный и показанный при дворе портрет капеллана поразил всех реалистичностью трактовки образа и вызвал одобрение короля. Филипп IV (1621–1665) заказывает Веласкесу свой конный портрет, имевший большой успех (не сохранился).

 

Веласкес пользуется покровительством Филиппа IV: 6 октября 1623 он назначен придворным живописцем, вскоре становится камергером короля, получает во дворце мастерскую рядом с королевскими покоями, назначен хранителем королевских коллекций, что давало возможность изучать произведения прославленных мастеров.

 

В первые годы пребывания в Мадриде Веласкес выполнил ряд официальных заказов: парадные портреты короля, членов его семьи, представителей знати. Парадный портрет XVII в. предполагал соблюдение определенных приемов в изображении модели: фигура изображалась в величественной позе, в парадном платье, занимала весь холст. Согласно испанскому этикету, аристократы не должны были проявлять чувств, поэтому выражение лиц на портретах того времени – застывшее и высокомерное.

 

Но Веласкес не ограничивался достижением портретного сходства, он отражал внутренний мир человека. "Портрет Дона Карлоса" (ок. 1626, Мадрид, Прадо), "Портрет Филиппа IV" (1628, Мадрид, Прадо). Заказанная королем картина "Вакх" ("Пьяницы") (1629, Мадрид, Прадо) на мифологическую тематику трактуется Веласкесом как сцена из народной жизни, пирушка веселых крестьян. Вместо темного фона в полотне появился пейзаж. Эта первая работа Веласкеса на мифологический сюжет, хотя и интерпретированная в бытовом аспекте, была одобрена королем.

 

В 1629 Веласкес едет в Италию на два года, знакомясь с памятниками античности, эпохи Возрождения. Прибыв в Рим, Веласкес был приглашен остановиться в Ватикане, где он, пользуясь покровительством папы, копирует фрески Микеланджело и Рафаэля.

 

Вновь обращаясь к мифологической теме в "Кузнице Вулкана" (1630, Мадрид, Прадо), Веласкес придает изображению жанровый характер. В этой картине проявилась основная черта испанского искусства – стремление самые далекие от реальности сюжеты представить в привычных образах, взятых из современной жизни.

 

В 1631 Веласкес возвращается в Мадрид и получает заказ от короля написать портрет наследника трона: "Портрет Бальтасара Карлоса в сопровождении карлика" (1631, Бостон, Музей изящных искусств). В это же время Веласкес создает "Распятие" (1631, Мадрид, Прадо) для монастыря бенедиктинок Сан Пласидо в Мадриде, написанное легкими, прозрачными мазками.

 

Он все больше внимания уделяет пейзажу, который в живописи Испании еще не получил самостоятельности. Но мастер использует пейзаж в качестве фона в сериях парадных конных портретов, которые он создает по заказу короля в 1630-е. Первая серия из шести картин отличается подчеркнутой официальностью. На фоне тонко прописанных пейзажей показаны всадники: мужчины в костюмах полководцев, женщины – в роскошных туалетах. Вторая серия из трех портретов, на которых члены королевской семьи показаны в охотничьих костюмах, отличается большей интимностью. Пейзаж в этих портретах становится не только фоном, но и вносит нотки настроения. В охотничьих портретах Веласкес достигает светового единства первого и второго планов, хотя до конца они еще не объединены: "Портрет Филиппа IV в охотничьем костюме" (1634, Мадрид, Прадо).

 

Самое крупное произведение Веласкеса 1630-х – историческая картина "Сдача Бреды" (1634–1635, Мадрид, Прадо). Она предназначалась для королевского загородного дворца Буэн-Ретиро и должна была украшать "Зал королей". Показан момент войны между Голландией и Испанией и взятие голландской крепости Бреда. Для исторических картин существовала определенная схема: произведение должно было прославлять победу полководца или монарха; в центре картины изображался главный герой в окружении свиты; вводились аллегорические элементы (олицетворение добродетелей, фигуры трубящих слав и др.), часто вся картина представляла собой аллегорию. Веласкес отказался от этих условностей, закладывая основы реалистической исторической картины. В центре полотна показаны испанский и голландский полководцы в момент передачи ключей от крепости. Драматизм раскрывается через психологические характеристики главных действующих лиц, показанных с портретной достоверностью.

 

В 40-е, в период зрелости, Веласкес пишет много портретов. Известен парадный "Портрет короля в военном костюме", т.н. "Ля Фрага" (1644, Нью-Йорк, Музей Фрик), получивший свое название, т.к. был написан в г. Фрага. Король предстает в важной позе, с надменным взглядом и с горделивым поворотом головы. Художник не льстит ему, подчеркивая неприятные черты, но цветовое и живописное решение сделало картину всемирно известной.

 

В эти же годы Веласкес пишет ряд камерных портретов, сосредотачивая внимание на лице заказчика и его внутреннем мире: "Портрет Оливареса" (ок. 1640, С.-Петербург, Эрмитаж). Среди портретов 30–40-х особое место занимают серия портретов королевских шутов, душевнобольных и карликов. Изображения карликов поражают энергией, умом, взглядами, полными внутренней силы, скорби, что составляет контраст с их физической немощью: "Портрет карлика Себастьяно Мора" (ок. 1648, Мадрид, Прадо).

 

В 1649 Веласкес вновь едет в Италию покупать картины для королевской коллекции. В Италии в 1650 Веласкес был принят в члены художественной академии св. Луки. Проведя в Италии два года, Веласкес обращается к пейзажу. Он создает две небольшие пейзажные картины "Виды виллы Медичи" (1650, Мадрид, Прадо), на которых изображаются запущенные уголки парка виллы Медичи.

 

В Италии Веласкес продолжает писать портреты, получая много заказов. "Портрет Иннокентия X" (1650, Рим, Галерея Дориа) – одна из вершин европейского портретного реализма XVII в. Папа в парадном облачении предстает перед зрителями как человек яркого темперамента, властный, энергичный. Заостряя индивидуальные черты, Веласкес изобразил человека умного, жестокого, хитрого. Портрет, ошеломивший современников, входит в сокровищницу мирового искусства.

 

В 1651 Веласкес возвращается в Мадрид, где он создает знаменитую "Венеру с зеркалом" (1651, Лондон, Национальная галерея). Тема античной богини любви и красоты была навеяна итальянскими впечатлениями, в Испании изображение обнаженного женского тела запрещалось инквизицией. Веласкес показывает красоту живой женщины, гибкой, исполненной грации, сближая божественный образ с земным.

 

В 1656 Веласкес создает знаменитые "Менины" ("Фрейлины") (1656, Мадрид, Прадо) – полотно высотой более трех метров с фигурами в натуральную величину. Художник показывает свою мастерскую, расположенную во дворце. В большом зале стоя перед холстом, он пишет портрет королевской четы, которая находится за пределами картины, отражения монархов видно в зеркале, висящем на противоположной стене. Присутствие короля и королевы определяет парадный характер картины, но она одновременно явилась рассказом о жизни королевской семьи. Главной героиней является пятилетняя инфанта Маргарита, застывшая в чопорной позе знатной дамы. Художник передает ее мягкие, детские черты лица. Именно на нее смотрит королевская чета, позирующая художнику. Рядом с инфантой многочисленные фрейлины. В "Менинах" Веласкес показывает придворных в будничной обстановке, возвеличивая повседневность, представив ее приподнято-монументально. То обстоятельство, что королевская чета находится вне холста, имеет еще одно значение: картина раздвигала свои границы.

 

В 1657 была создана картина "Пряхи, или Миф об Арахне" (1657, Мадрид, Прадо) – изображение мастерской, где реставрировались и ткались ковры для украшения дворцовых залов. Композиция построена на двух уровнях: на заднем плане показаны три дамы, рассматривающие шпалеры, на одной из которых изображен миф об Арахне. На переднем плане – несколько работниц. Это произведение – первое в истории европейского искусства произведение, прославляющее деятельность простого человека. Монументальный характер трактовки этой темы был необычным для той среды, где жил Веласкес.

 

В 1659 Веласкесу было пожаловано звание кавалера ордена Сант-Яго – одного из высших орденов Испании. В последние годы жизни Веласкес создает множество женских портретов: портреты инфанты Маргариты, два из которых находятся в Вене, в Музее истории искусств. Он умер 7 августа 1660.

 

Веласкес, обращаясь к реальной действительности, пронес через свое творчество идеи гуманизма. Расширив тематику живописи, он развил ее жанры, в своих произведениях давал героям отточенные характеристики, раскрывая их внутренний мир. В портретах он никогда не льстил моделям, показывая каждого в индивидуальной неповторимости. Достоинства колорита полотен Веласкеса сочетаются с ясностью и простотой композиции.

 

Опубликованное фото

 

Туалет Венеры

 

Диего Веласкес, 1649-51 г.

Лондон, Национальная галерея

(Единственная уцелевшая картина работы Веласкеса,

изображающая обнаженную женщину)

Share this post


Link to post
Share on other sites

Немного опоздал... К теме Вильяма Бугро....

Опубликованное фото

"Купидон" 1875

Share this post


Link to post
Share on other sites

И еще одна картина А.-В. Бугро... "Купидон с бабочкой".

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

Антонио Аллегри да Корреджо (Antonio Allegri da Corregio), ок. 1489–1534 гг. · итальянский живописец, родился в городке Корреджо близ Модены. Учился у Бьянки Феррари в Модене, а после его смерти уехал в Мантую; там он видел произведения Андреа Мантеньи и его учеников. В работах Корреджо, выполненных в эти годы, чувствуется и влияние Леонардо да Винчи, но неизвестно, где и когда он познакомился с его творчеством. Образцы раннего стиля художника – картины "Обручение св. Екатерины" (Лувр) и "Мадонна со св. Франциском" (ок. 1515, Дрезден, Картинная галерея).

 

В 1518 Корреджо уехал в Парму. В это время в его произведениях (например, во фреске плафона монастыря Сан Паоло) появляются тенденции к иллюзионизму, которые затем будут развиты в росписи купола церкви Сан Джованни Эванджелиста, где в 1520–1522 Корреджо написал композицию "Вознесение Христа". Следующий по времени заказ – фреска "Вознесение Богоматери" в куполе Пармского собора, начатая ок. 1525. Эта роспись стала образцом для многих последователей Корреджо. Он продолжал работы в соборе примерно до 1530. Росписи, оставшиеся неоконченными после смерти художника в 1534, были завершены его учениками. В последний период своего творчества мастер писал также картины на мифологические, аллегорические и религиозные сюжеты; среди них – "День" ("Мадонна со св. Иеронимом", ок. 1528, Парма, Национальная галерея) и "Ночь" ("Поклонение пастухов", ок. 1530, Дрезден, Картинная галерея), "Леда с лебедем" (ок. 1532, Берлин, Далем), "Юпитер и Антиопа" (1521–1525, Париж, Лувр). В отличие от большинства своих современников он не стремился обрести влиятельных покровителей и поселиться в одном из крупных художественных центров Италии, а вел тихую и спокойную жизнь в Мантуе, Модене, Парме и своем родном городке Корреджо, куда он возвратился за четыре года до смерти. В большей степени, чем какие-либо внешние факторы, на формирование стиля зрелого периода творчества Корреджо повлияли его характер и образ жизни. Чтобы подчеркнуть красоту форм и поверхностей, он стремился использовать не умозрительные перспективные построения, а плавное движение фигур в пространстве, не очень яркий колорит и эффектные контрасты света и тени.

 

Опубликованное фото

Венера, Меркурий и Купидон (Школа любви)

Корреджо, ок. 1522.

Лондон, Национальная галерея

 

Опубликованное фото

Юпитер и Антиопа

Корреджо, ок. 1523 г.

Париж, Лувр

Share this post


Link to post
Share on other sites

Джакопо Робусти Тинторетто (Tintoretto), 1518–1594 гг. · итальянский живописец; наряду с Джорджоне, Тицианом и Веронезе один из величайших венецианских мастеров эпохи Возрождения. Родился в Венеции осенью 1518. Его настоящее имя – Якопо Робусти (Jacopo Robusti). Считается, что он учился у Тициана. Успех пришел к Тинторетто в 1548, и с этого времени до самой смерти в 1594 он вел спокойную, но деятельную жизнь в Венеции, работая над украшением церквей и государственных зданий.

 

Первое крупное произведение Тинторетто, "Чудо св. Марка" (Венеция, галерея Академии), было создано в 1548 по заказу религиозного братства Скуола ди Сан Марко. В картине представлен драматичный момент, когда палач собирается убить раба молотом. Св. Марк спускается с неба, и молот чудесным образом ломается на глазах у изумленных палача и судьи. Фигура св. Марка показана в смелом ракурсе и выделена с помощью цвета и вспышки света. Светлые и темные пятна оживляют переднюю плоскость картины, контрастируя с бледными тонами дальнего плана. Легкость, с которой художник манипулирует цветом и светом, типична для живописцев венецианской школы. Все это Тинторетто дополнил блестящим рисунком и использованием жестких скульптурных форм; эта черта его стиля близка манере тосканских мастеров, таких, как Мантенья и Микеланджело. В самом начале своей творческой деятельности Тинторетто написал ряд портретов венецианцев. Первые из них еще напоминают по манере исполнения произведения Тициана; работы зрелого периода выполнены в более оригинальном стиле. Некоторые исследователи считают портреты лучшими творениями Тинторетто. В 1562 художник создал еще три картины для Скуола ди Сан Марко. На полотне "Обретение тела св. Марка" (Милан, галерея Брера) изображены три благочестивых венецианца, которые обнаружили тело св. Марка и перевезли его из Александрии, чтобы спасти от сожжения язычниками. В полутемном коридоре, уставленном гробами, св. Марк появляется над своими мощами, чтобы указать место их погребения. Цвет приглушен и подчинен мистическому свету, который едва касается краев предметов фосфоресцирующими отблесками. То же ощущение ирреальности наполняет картину "Похищение тела св. Марка" (1562, Венеция, галерея Академии). Молния пронзает небо над головами людей, несущих тело через площадь, на которую обрушиваются дождевые потоки. И снова мы проникаем в глубину пространства там, где формы кажутся случайно вырванными из темноты игрой света. Композиция "Св. Марк, спасающий сарацина" (Венеция, галерея Академии) построена с использованием пятен тени с фосфоресцирующими краями, с помощью которых передается ощущение хаоса морского шторма.

 

В 1564 проходил конкурс на украшение здания Скуола ди Сан Рокко, на который художники должны были представить предварительные наброски. Тинторетто выиграл конкурс, показав на нем законченную живописную композицию. На полотне "Распятие" из цикла для Скуола ди Сан Рокко (1565) центральное место занимает образ Христа, торжествующего над неохватным миром. Изображение распятого Христа оказывается изолированным и находится в центре большого овала, образованного фигурами палачей и скорбящих.

 

Тинторетто был не только автором интерпретаций христианской истории, но и декоратором. В картине "Происхождение Млечного Пути" (Лондон, Национальная галерея), созданной после 1570, он использовал космогоническую легенду как повод для изображения контраста нежной мягкой плоти и тяжелых одежд. Размещение персонажей по кругу – любимый прием мастера – использовано им и в картине "Вакх и Ариадна" (1578, Венеция, Дворец дожей), одной из четырех композиций, которые должны были символизировать мудрость венецианских властей.

 

В 1565–1588 Тинторетто создал цикл панно на библейские темы для Скуола ди Сан Рокко. Картина "Медный змий" – сложная композиция, в которой изображены сильные мускулистые тела, написанные в стилистике Микеланджело. В Поклонении волхвов подчеркнут "человеческий", гуманистический аспект происходящего: пастухи передают еду бездомной семье. В композиции "Благовещение" чудесное событие совершается в момент драматического напряжения, в почти натуралистически переданной обстановке. В картине "Бегство в Египет" действие происходит на фоне пышной растительности; Иосиф пригибает голову осла, чтобы Богоматерь могла сойти и отдохнуть.

 

В 1570 Тинторетто начал самое монументальное из своих произведений – "Рай" (Венеция, Дворец дожей). Работа над этой огромной композицией, где изображено около пятисот персонажей, заняла у Тинторетто и его учеников десять лет. Предварительный эскиз картины находится в Лувре; большинство исследователей считают, что он лучше законченного произведения, слишком правильного и сухого.

 

Картина "Тайная вечеря" (Венеция, церковь Сан Джорджо Маджоре) была создана между 1592 и 1594. На первый взгляд кажется, что ощущение чуда затмевается видом пиршества; жанровые детали переданы весьма подробно. Комнату наполняет сверхъестественный свет, головы Христа и апостолов окружают сияющие ореолы. Это полотно можно назвать итоговым произведением в творчестве Тинторетто.

 

Опубликованное фото

Венера, Вулкан и Марс. Около 1550. Мюнхен. Старая Пиникотека

Share this post


Link to post
Share on other sites

Франсуа Паскаль Симон Жерар (François Pascal Simon, Baron Gérard, 4 мая 1770 — 1837) — французский историк и художник.

 

Современники называли Франсуа Жерара "живописцем королей и королем живописцев". Такую славу принесли мастеру исполненные им портреты коронованных особ и членов высшего общества. Его модели были грациозны и строги, кокетливы и изящны, мужественны и значительны. Талантливый художник писал их такими, какими они желали себя видеть. Жерар учился в Королевском пансионе в Париже, позже посещал мастерские скульпторов О. Пажу и Н. Брене, а затем стал учеником знаменитого Ж.Л. Давида. В начале 1790-х художник, в основном с целью заработка, занимался книжной иллюстрацией. В 1795 Жерар представил в Салоне картину "Велизарий, несущий своего поводыря, ужаленного змеею" и в том же году написал портрет "Художник Ж.Б. Изабе с дочерью" (Лувр, Париж). Эти произведения принесли славу мастеру. В своем творчестве Франсуа Жерар опирался на традиции классицизма. Однако с помощью строгого языка классицистической живописи он раскрывал романтические по духу темы, почерпнутые не только из современности и истории, но также из привычных для классицизма мифологических сюжетов, как, например, в картине "Амур и Психея". Другие известные произведения: "Битва при Аустерлице". 1810. Национальный музей, Версаль; "Коронование Карла X в Реймсе в 1825 году". 1829. Национальный музей, Версаль; "Портрет Жозефины, жены Наполеона". 1801. Эрмитаж, Санкт-Петербург.

 

Опубликованное фото

Амур и Психея

1798. Холст, масло, 186x132. Лувр, Париж.

Иногда картину называют - "Первый поцелуй Психеи"...

Share this post


Link to post
Share on other sites

Тициан Вечеллио

 

После безвременной смерти от чумы Джорджоне, ведущую позицию в венецианской живописи на многие годы своей долгой жизни занял Тициан. Документов, говорящий обо всех сторонах его жизни, великое множество. О ней известно почти что всё, кроме точной даты его рождения. Родился он в Пьеве ди Кадоне, маленьком селении в провинции Белуно, и был вторым сыном в семье нотариуса Вечеллио. Совсем мальчиком Тициан оставил родину и отправился в Венецию для изучения искусства живописи. Сначала он учился у Джовани Дзуккато последователя Мазаччо, потом в мастерской Джентели и наконец попал в мастерскую Беллини, «отца венецианской живописи»

В мастерской этого мастера быстро раскрылось необычайное дарование Тициана, сумевшего совместить степенность и величие своего учителя с натурализмом художников Северного Возрождения.

В галереи Уффици мы можем увидить его картину "Флора".

Опубликованное фото

 

В этом удивительном по своей поэтичности произведении мы видим одну из тех красавиц, изображений которых так много в венецианских палаццо. Картина может быть изображением богини в земном обличье или портретом знаменитой куртизанки, но, независимо от этого, художник сумел создать работу, драгоценную по красоте. Она строится на сочетании белого пятна небрежно наброшенной рубашки, массы светлых волом и непревзойдённого по тонкости цвета тела, моделированного слабыми тенями на груди и плечах.

 

Знаменитая "Венера Урбинская" начинает список Венер Тициана.

 

Опубликованное фото

 

Она была отправлена к заказчику в 1538 году. В этой работе весь пафос классической иконографии Венеры стыдливой разрушен при помощи намеренной иронии. Художник помещает фигуру в комнату, которую делит на равные части полог кровати. Перед нами не богиня, а белокурая куртизанка. Присутствие двух служанок, суетящихся в поисках нарядов красавицы, ещё более подчёркивает убедительность этой сцены, как бы говоря: бессмыслено искать что-нибудь кроме красоты. Собачка, символ верности в искусстве Возрождения, дремлет на кровати.

 

Вот ещё несколько его Венер

 

"Венера, Купидон и куропатка" написана в 1550 году. Флоренция, галерея Уффици

Опубликованное фото

 

"Венера с зеркалом" написана в 1554-155 гг. Вашингтон, Национальная галерея искусств

Опубликованное фото

 

"Венера Анадиомена"(Венера, выходяшая из океана) написана около 1525 году. Эдинбург, Национальная галерея Шотландии

 

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

Франциско Хосе де Гойя

 

Хосе Франциско де Гойя, Гойя-и-Лусиентес(Goya у Lucientes), был одним из самых разносторонних мастеров в искусстве Нового времени. Он писал портреты и картины на исторические, мифологические и религиозные сюжеты, выполнял стенные росписи и картины для шпалер, был блестящим мастером офорта и литографии, виртуозным рисовальщиком. Художник учился в Сарагосе и Мадриде, безуспешно несколько раз пытался поступить в Академию Сан-Фернандо в Мадриде. В 1770-1771 он путешествовал по Италии и, вернувшись в Сарагосу, выполнил первые свои заказы, среди которых - роспись купола в соборе Нуэстра Сеньора дель Пилар. В 1773 Гойя переехал в Мадрид. В 1780 он был избран в Академию Сан-Фернандо, в 1786 был назначен придворным художником, в 1795 - первым президентом Академии, а в 1799 - первым живописцем короля. В это время в творчестве мастера нарастают черты трагизма, неприятия современной действительности. Художнику пришлось эмигрировать во Францию. Групповой портрет семьи герцогов Осуна - одна из самых известных работ художника, созданная в период, когда его мастерство портретиста получило признание и переживало расцвет. Другие известные произведения: "Портрет маркизы Анны Понте-хос". Ок. 1787. Национальная галерея, Вашингтон; серия офортов "Капричос" (80 листов с комментариями Гойи). 1797-1798; "Расстрел мадридских повстанцев в ночь на 3 мая 1808 г.". 1814. Прадо, Мадрид.

Опубликованное фото

 

Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес (Francisco de Goya)

Маха обнажённая [1800]

Share this post


Link to post
Share on other sites

в продолжении творчества Бугро. (Прошу у всех прощения, но названия нижеследующих творений, увы, не знаю)

В порядке их прикрепления:

Après le Bain [После купания]

Baigneuse [Купальщица]

Biblis

Douleur d'amour [Элегия]

L'Amour s'envole [Любовь обращается в бегство]

Le Printemps [Весенняя пора]

Après le Bain [После купания]

 

А мне нравится еще вот эта работа.

Называется она

Опубликованное фото

"Потерянная Плеяда"

Share this post


Link to post
Share on other sites

ЛОУРЕНС АЛМА-ТАДЕМА

(1836-1912)

английский художник, представитель романтического историзма.

 

По происхождению голландец. Родился в Дронрейпе (северные Нидерланды) 8 января 1836. Учился в антверпенской Академии художеств (1852-1858). Сотрудничал со своим наставником Х.Лейсом в создании фресок для антверпенской ратуши на сюжеты фламандской истории.

С 1870 обосновался в Лондоне.

 

Первоначально писал полотна на средневековые мотивы, но с 1863, после посещения Италии, доминирующей темой его искусства стала классическая античность. Создавал эффектные композиции, приближающие праздничную и повседневную жизнь древних греков и римлян к салонно-светскому мировосприятию своих современников, - отсюда шутка о «викторианцах в тогах», которые, дескать, заполнили его картины (Древнегреческий военный танец, 1869, Галерея Гилдхолл, Лондон; Чтение Гомера, 1885, Музей искусств, Филадельфия; Любимый обычай, 1909, галерея Тейт-Бритейн, Лондон). Искусно воспроизводил мелодраматические мизансцены и фактуру материалов, в особенности мрамора. В 1899 был возведен в рыцарское достоинство. К концу 19 в. выступал и как художник театра, оформляя спектакли Г.Ирвинга и Г.Бирбома-Три. Окруженный шумным успехом, был одним из самых богатых художников 19 в.

 

Умер Алма-Тадема на лечении в Висбадене 25 июня 1912. Оказал большое влияние на стилистику исторического кинематографа (пышные голливудские постановки С.де Милля и близких ему режиссеров). Как и в случае с Х.Семирадским, ближайшим его аналогом в польском и русском искусстве, интерес к творчеству Альма-Тадемы со временем значительно упал, но возродился к концу 20 в. в связи с новым интересом к салонному искусству в его контактах с символизмом.

 

Опубликованное фото

Share this post


Link to post
Share on other sites

Аньоло Бронзино (Bronzino, настоящее имя Аньоло ди Козимо ди Мариано — Agnolo di Cosimo di Mariano) (17 ноября 1503, Монтичелли, Тоскана, — 23 ноября 1572, Флоренция) — итальянский живописец, выдающийся представитель маньеризма.

 

Бронзино писал фрески, алтарные картины, религиозные, аллегорические картины и картины на мифологические темы. Однако настояющую славу художнику принесли в первую очередь портреты. Бронзино был высокообразованным и начитанным человеком и хорошо знал труды таких великих современников-гуманистов, как Данте и Петрарка. Он писал стихи и был членом флорентийской академии.

 

Бронзино создал тип парадно-аристократического портрета, в котором отчуждённая замкнутость образа сочетается с торжественной неподвижностью композиции, остротой рисунка, холодным колоритом и бесстрастной точностью деталей. Картины Бронзино на религиозные и мифологические темы отличаются сложностью композиции, надуманностью поз и жестов и эротизмом образов.

 

Аньоло Бронзино учился у Раффаэллино дель Гарбо и Джакопо Понтормо. Вместе с Понтормо он расписывал фресками чертозу (картезианский монастырь) в Галуццо, виллы Медичи в Кареджи и Кастелло в окрестностях Флоренции. С 1525 по 1535 г. под сильным влиянием своего учителя Бронзино создал несколько картин на религиозные и мифологические сюжеты в стиле маньеризма. Над некоторыми картинами художники работали совместно, поэтому точно определить их авторство очень сложно. В 1530 г. он стал придворным художником герцога Урбино Франческо I Мария делла Ровере. Бронзино участвовал в оформлении фресками религиозного и мифологического содержания виллы Империале в Пезаро. Для Гвидобальдо II делла Ровере Бронзино написал картину «Аполлон и Марс» и в 1532 г. портрет герцога, с которого начался успех портретиста Аньоло Бронзино.

Опубликованное фото

Аллегория с Венерой и Амуром. ок. 1546. Национальная галерея, Лондон

Share this post


Link to post
Share on other sites

МОРО ГЮСТАВ (Moreau Gustave) (1826–1898), французский художник и график. Родился 6 апреля 1826 в Париже. Учился в Школе изящных искусств; испытал влияние Т.Шассерио. Редко продавал свои картины, поэтому почти все его работы в настоящее время находятся в музее Моро в Париже. Его произведения, написанные на мифологические, библейские и аллегорические сюжеты, демонстрируют склонность к экзотике, таинственности и роскоши. Скорее благодаря литературным аллюзиям, чем достижениям в области колористики, он способствовал возникновению символизма. Умер Моро в Париже 18 апреля 1898.

 

Опубликованное фото

«Гесиод и муза», 1891, музей Орсе, Париж

Share this post


Link to post
Share on other sites

Еще несколько картин Моро...

 

Опубликованное фото

"Ясон и Медея" 1865

 

Опубликованное фото

"Эдип и Сфинкс" 1864 Метрополитен-музей, Нью-Йорк

 

Опубликованное фото

"Галатея"; 1880 Музей Гюстава Моро, Париж

 

Опубликованное фото

"Венера, рожденная из пены" 1886 Музей Гюстава Моро, Париж

 

Опубликованное фото

"Осень"; 1872-1873 Музей Поля Гетти

 

Опубликованное фото

"Афина и Единорог" 1888

Share this post


Link to post
Share on other sites

Джорджоне (Giorgione; собственно Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, Barbarelli da Castelfranco) (1476 или 1477–1510), итальянский живописец, один из основоположников искусства Высокого Возрождения. Учился, вероятно, у Джованни Беллини, был близок к кругу венецианских гуманистов, славился также как певец и музыкант. Наряду с композициями на религиозные темы (”Поклонение пастухов”, Национальная галерея искусства, Вашингтон). Джорджоне создавал картины на светские, мифологические сюжеты, именно в его творчестве получившие преобладающее значение. В произведениях Джорджоне (”Юдифь”, Эрмитаж, Санкт-Петербург; ”Три философа”, Музей истории искусств, Вена; ”Гроза”, Галерея Академии, Венеция; ”Спящая Венера”, Дрезденская галерея ) поэтические представления художника о богатстве таящихся в мире и человеке жизненных сил раскрываются не в действии, а в состоянии всеобщей молчаливой одухотворенности. Ощущение скрытого дыхания жизни, органичность воссоздания натуры соединяются в них с благородной идеализацией, утонченностью эмоциональной атмосферы, сложным, рассчитанным на непрямые ассоциации сюжетным замыслом. Сохраняя свойственные искусству Раннего Возрождения ясность объемов и мелодическую выразительность контуров, Джорджоне с помощью прозрачной светотени добивался зрительного слияния человеческих фигур с пейзажем.

 

Придавая теплоту и свежесть звучанию главных цветовых пятен, он сочетал их с множеством красочных нюансов, взаимосвязанных с градациями освещения и тяготеющих к тональному единству. Общая направленность творчества Джорджоне определила интимно-лирическую окраску выполненных им портретов (”Портрет юноши”, Картинная галерея, Берлин-Далем; так называемая ”Лаура”, Музей истории искусств, Вена). Творческая концепция Джорджоне своеобразно преломила натурфилософские концепции времени, оказала преобразующее воздействие на живопись венецианской школы (в том числе на работы Себастьяно дель Пьомбо, Я.Пальмы Старшего и др.), получила развитие у его ученика Тициана.

 

Опубликованное фото

 

Джорджоне - "Спящая Венера" Ок.1510, Дрезденская галерея

Share this post


Link to post
Share on other sites

Join the conversation

You can post now and register later. If you have an account, sign in now to post with your account.

Guest
Reply to this topic...

×   Pasted as rich text.   Paste as plain text instead

  Only 75 emoji are allowed.

×   Your link has been automatically embedded.   Display as a link instead

×   Your previous content has been restored.   Clear editor

×   You cannot paste images directly. Upload or insert images from URL.

Loading...
Sign in to follow this  

×
×
  • Create New...